Actitud
del artista: Interpretación o representación.
En
el siglo XX las artes figurativas experimentan una transformación
tan profunda que en uno de sus movimientos, la
abstracción,
pierde su carácter de representación de la realidad concreta, es
decir,
dejan de ser figurativas.
Esta revolución
morfológica
no depende de los arbitrios de una generación de artistas: son
los cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen
del arte una forma diferente de afrontar la realidad.
Búsqueda
de nuevas formas de expresión artística.
Si
el pintor clásico retrataba los rasgos
y
en algunos casos el
carácter
de un hombre, el
retratista intuye que la realidad es mucho más compleja y que todo
un mundo misterioso se esconde tras envolturas somáticas. Si
en otros siglos bastaba con pintar muebles y objetos parecidos a los
que los ojos contemplan, ahora
saben los pintores que la estructura de la materia es muchísimo más
compleja y que ha de tratar de llevar al lienzo esa complejidad.
El
marasmo de la Primera Guerra Mundial.
La
época de tensiones que precede a la Primera Guerra Mundial y el
propio conflicto bélico mundial delimitan una
era de sufrimiento colectivo,
que hace tambalear los presupuestos sobre los que se ha edificado la
civilización europea;
los artistas no podían vivir ajenos a este gran acontecimiento y
muchos sufren directamente las consecuencias.
La literatura y las artes plásticas se convierten en testimonio de
esta era
de destrucción y de odios
EL
FAUVISMO.
Fundamentalmente el Fauvismo supone una reacción contra el Impresionismo en pro del color y del objeto.
El
color vuelve a ser el ingrediente principal del cuadro y se utiliza
de manera apasionada; Derain
se entusiasma con las obras de Vlaminck
y
los dos aplican la pasta directamente del tubo,
en la plenitud
de su potencia cromática,
sin alterarlo con mezclas en el pincel o en la paleta.
Los
pintores fauves
se inclinan por la mancha
plana y ancha. El color se independiza del objeto.
Para respetar el objeto, que se perdería entre las violencias y
arbitrariedades coloristas, la
línea recupera su energía con trazos gruesos y nítidos. La luz
suele desaparecer
y con ella la profundidad; las composiciones propenden al plano
único,
a la manera de Gaugin. Los temas son los mismos del Impresionismo.
- Henri Matisse sigue el criterio de que el Impresionismo, y más concretamente el puntillismo, ha destrozado los objetos y creado superficies a sacudidas. En Cézanne ha descubierto la estructura, la plenitud de la forma, de la cual la luz no es más que un accidente periférico.
Matisse
busca la solidez, propugna la obra como creación de la mente. En el
Retrato
de Madame Matisse
el verde y el azul, en bandas que se oponen a ondulantes franjas
rojas, crean la sensación de melancolía; las líneas recuerdan por
su función de parcelación a superficies de dibujo de los románicos.
El
fauvismo pasó pronto, pero algunos de sus seguidores no dejaron de
ensayar muchos años después los principios teóricos de 1905.
 |
| Armonía en Rojo. Henri Matisse |
EL
CUBISMO.
Las
nuevas teorías físicas sobre el espacio nutren algunos de los
conceptos del movimiento; pero la fuente inspiradora más directa es
la obra de Cézanne. Los cubistas, no utilizan la perspectiva
convencional ni los colores de la realidad, ni adoptan un punto de
vista único. Un sentido más austero del arte les inclina a los
tonos neutros, los ángulos desde los que se contempla el objeto se
multiplican para obtener así la cuarta dimensión o suma de todas
las perceptivas; los interiores se representan mediante
transparencias, la luz desaparece definitivamente y la exaltación
del plano es más intensa que en el Fauvismo.
El Cubismo en pintura:
Picasso
y Braque
fueron las dos figuras cubistas inspiradoras.
Braque respeta o, al menos, no se separa tanto de la realidad visual como Picasso. Se ha observado que los cubistas no introducen los nuevos objetos de la civilización técnica; se mantienen vinculados a los tradicionales.
La Mesa Redonda. Georges Braque - Las naturalezas muertas de Juan Gris señalan una enorme distancia de las sensoriales de Matisse a pesar de que muchas veces las fechas coincidan.
- El Cubismo de primera hora tuvo algunas derivaciones. En una de ellas, representada por Delaunay, se recupera la sensorialidad del color, es la que Apollinaire llamo “orfismo”. Sus pinturas de 1912 semejan arcos iris fragmentados.
El Cubismo en escultura:
En
escultura el ideal geométrico del Cubismo tuvo bastantes seguidores.
El ruso Archipenko
trabó contacto en París con los Cubistas en 1910; en principio
trató de modelar formas geometricas con un solo material pero en
1912 introduce la combinación de diferentes materiales a la manera
de los collages
de los pintores. Fue el primero en comprender el valor expresivo del
hueco en alternancia con la protuberancia.
Igual
que en el Fauvismo, muchos maestros cubistas abandonaron el
movimiento, pero en este caso podríamos decir que el movimiento no
les abandonó a ellos; la intelectualización de la realidad o la
creación puramente mental de las formas y los procedimientos de
superposiciones y transparencias perduran, con diversas
modificaciones, en toda la pintura del siglo.
EL
EXPRESIONISMO.
EXPRESIONISMO.
Hasta
finales del siglo XIX el arte pictórico había expresado las facetas
visibles del ser humano. Sólo Goya había destrozado las
convicciones con las que se representaban las anatomías para bucear
en los misterios del mundo interior. Este camino es seguido
aisladamente por algunos pintores de diferentes países, el belga
Ensor,
el noruego EdwarMunch,
cuya obra El
grito
es un símbolo de la emoción delirante que se ha introducido en
muchas obras de arte. En 1905 se constituye en Dresde un grupo que
adopta la denominación Die Brücke (El puente), coetáneo del
movimiento fauvista francés; pero mientras los pintores fauves se
dejan ganar por la sensualidad del color para plasmar un arte amable,
los alemanes, aunque prefieren los tonos oscuros, difieren por su
concepción atormentada, por la plasmación de las angustias
interiores del hombre, que esto viene a ser el Expresionismo.
En
el grupo destacan Noldey Kirchner,
considerado jefe de la escuela. Kirchner intenta con su paleta
estridente y los trazos angulosos demostrar la abyección y los
oscuros deseos que laten en el fondo de los seres humanos. Nolde
consigue pintar la desnudez de las almas. Este arte interior era ya
un movimiento ampliamente seguido en 1910.
El grupo de Munich.
Por entonces hacia algunos años que la capital del movimiento había pasado de Dresde a Munich, donde llegan el ruso Kandiskyy el austríaco Kokoscha.
En el Nueva York de las décadas de 1940 y 1950, algunos artistas jóvenes desarrollaron una pintura reconocida internacionalmente con el nombre de "expresionismo abstracto". Apoyándose en sus audaces visiones y en un vocabulario artístico nuevo, los integrantes de la Escuela de Nueva York contribuyeron a que la pintura estadounidense de la segunda mitad del siglo xx fuera aceptada y ocupase una posición preeminente en todo el mundo. Como sucede también con otras tendencias artísticas contemporáneas, el concepto de «expresionismo abstracto» no refleja un estilo unitario, sino una actitud, un modo de proceder caracterizado por el espíritu de rebelión y por la fe en la libertad expresiva. En cualquier caso, las diferencias entre la escritura plástica de Mark Tobey, basada en la caligrafía oriental asiática, y el gesto pictórico de Wiiiem de Kooning, o entre la dinámica action paintíng de Jackson Pollock y las serenas láminas meditativas de Mark Rothko o Barnett Newman son enormes. No obstante, todos ellos gustan de los temas moralmente densos, cuya representación exige sobre todo individualidad e improvisación espontánea.
EL
FUTURISMO.
Característico
del estilo será otorgar a los objetos una serie de posiciones sobre
un plano con el deseo de representar el movimiento. En consecuencia
pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series
radiales de brazos y piernas; el sonido puede ser representado como
una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma
prismática.
Exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero
Adoración de la máquina como prolongación del hombre inteligente
retrato de la realidad en movimiento
Objetivo de lo literario, suprimiendo el yo poético
Destrucción de la sintaxis y la puntuación
Disposición especial del o escrito, con el fin de darle expresión plástica.
EL
MOVIMIENTO “DADÁ”.
Con
excepción de Marcel
Duchamp se trataba de artistas de segunda fila o que hasta el momento no
habían triunfado, pero pronto encontraron el apoyo de maestros que,
como Picasso, Kandisky o Klee, pensaban que la destrucción de la
guerra había ido tan lejos que debían colaborar en un movimiento
destructor de la pintura.
En
la fundación del Dadaismo confluyen la decepción ante la situación
mundial, el desencanto personal de pintores escasamente considerados
y el deseo de llevar a la pintura la destrucción que por entonces
asolaba a Europa. Empeñados en escandalizar a la burguesía utilizan
medios que demuestran una inagotable inventiva; hacen cuadros con
basuras, exaltan un orinal a la categoría de obra de arte, etc.
Pasada la histeria de la guerra los maestros más auténticos derivan
hacia otras posiciones y el Dadaismo se extingue.
EL
SURREALISMO.
De
la mano de André
Breton
la actitud irracional del movimiento Dadá deriva hacia un intento de
mayor envergadura. Breton estimaba que la situación histórica de
posguerra exigía del arte un nuevo esfuerzo de indagación para
comprender en su totalidad al hombre. En definitiva el Surrealismo
trata de plasmar
el mundo de los sueños,
de los fenómenos subconscientes, fenómenos cuya importancia estaba
siendo demostrada por el psicoanálisis.
En el PrimerManifiesto del Surrealismo, Breton define el propósito del grupo de escritores y pintores que se han congregado en sesiones en las que se aplica el automatismo para crear frases y grafismos que, privados de la aplicación lógica, descubren las profundidades del espíritu.
Los
pintores se encontraban con una serie de precedentes
plásticos: El Bosco, Brueghel y el Goya de los Caprichos
Aunque
se propugna un esteticismo involuntario que se basa en el
automatismo, lo cierto es que los recursos utilizados por los
pintores presentan una cierta cohesión de escuela: animación de
inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos,
máquinas fantásticas, confrontamientos de cosas incongruentes,
perspectivas vacías, creación evocativa del caos. A menudo se
cultiva el tema erótico.
Ruptura con las convenciones sociales.
De
la ruptura con la consciencia el Surrealismo ha pasado con frecuencia
a la ruptura con las convenciones sociales, de ahí que las
excentricidades hayan sido una connotación de su historia. Salvador
Dalí
ha sido el más genial provocador del público, con sus dichos y con
sus escritos, donde establece el método del análisis
paranoicocrítico.
Principales artistas del Surrealismo.
La
relación de artistas que se mueven dentro de la corriente del
Surrealismo es extensa: Marcel
Duchamp, Max Ernst, Salvador Dalí, Marc Chagall, De Chirico,... Para
algunos grandes maestros el Surrealismo fue solamente una frase, tal
es el caso de Joan
Miró,
quien ha protestado de que se le haya “etiquetado” como
surrealista.
Dos
posiciones polares dentro de la escuela están señaladas por la obra
de Dalí y de Chagall. Lo más autentico del arte daliniano debe
buscarse en sus alucinantes perspectivas de Premoniciones
de la Guerra Civil o Tentaciones de San Antonio.
En aquellas distorsión y el alargamiento de los cuerpos ofrecen un
dramatismo extraordinario. En el polo opuesto, Chagall nos ofrece una
arte seráfico, mágico, en el que todo es posible. Los inmensos
panoramas oníricos vuelven a encontrase en la obra de Tanguy.
Otra perspectiva del Surrealismo es la del italiano De Chirico, poeta
del misterio, pintor de casas inhabitadas y calles desiertas. Cierta
similitud con Chirico ofrece Magritte.
LA
ESCULTURA: INVENCIÓN DE FORMAS EXPRESIVAS.
La
escultura expresión de la angustia del hombre actual.
Es
posible que sea el arte escultórico el que experimenta una
revolución más radical en el siglo XX. La historia de la escultura
está presidida por la figura humana, inspirada en algunas ocasiones
por un afán expresivo, pero en general dominada por el deseo de la
armonía y la belleza. Una escultura actual es algo radicalmente
distinta. Sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al
de la pintura. Durante algún tiempo sigue el arte escultórico los
caminos trazados por Rodin, pero el Cubismo supone ya la ruptura
definitiva con la tradición; la figura humana pierde su
omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas. Mas no es la
plasticidad espacial de la geometría el fundamento de la escultura
de nuestro siglo sino cierta propensión
al patetismo,
que convierte al lenguaje escultórico en otro medio de expresión de
la angustia del hombre actual.
La intensificación expresiva ofrece a principios de siglo dos tendencias, la dramática, de Ernest Barlach, y la que se convierte en testimonio de los seres resignados a un sufrimiento invencible y que tiene su mejor representante en Wilheim Lehmbruck. Aprovechando las aportaciones geométricas del Cubismo tres escultores van a contribuir a la invención de formas nuevas: el rumano Brancusi y los españoles Julio González y Gargallo.
Invención de formas nuevas.
Constantin Brancusi es el más grande de los innovadores del lenguaje escultórico. Frente a la exuberancia emotiva de Rodin busca formas puras. Uniendo formas del Cubismo y la potencia comunicativa del Expresionismo crea algunas de las obras más originales de la plástica actual, como Pájaro en el espacio. Aunque llega a una extraordinaria estilización no acepta el arte no figurativo; el punto de partida es siempre algo real. A Brancusi le atrae todavía el volumen cerrado y dentro de él es capaz de formular insinuaciones figurativas. Raras veces se encuentra un maestro que sienta con tanta intensidad los materiales, el bronce, el mármol, la madera,... En estos materiales insufla un aliento espiritual: por ejemplo en sus Pájaro en el espacio el ritmo dinámico se ha entendido como la tensión ascensional de la vida, de la que el espacio y el pájaro serían símbolos.
Los
españoles, González y Gargallo, son los grandes innovadores del
trabajo en hierro. Julio González, partiendo de formas cubistas
llega hasta la abstracción. Gargallo descubre primero en las chapas
de hierro su configuración geométrica, pero pronto llega a
aprovechar los espacio vacíos y a dotarlos de fuerza, lo mismo que a
las aristas. El
profeta,
su obra más conocida, ofrece formas cubistas pero se mueve dentro de
los presupuestos espirituales del Expresionismo.
 |
| Pablo Gargallo El Profeta |
El Expresionismo es una constante del lenguaje escultorico; los artistas descubren la intensidad expresiva de las deformaciones y el vitalismo de los gestos crispados.
AlbertoGiacometti en sus primeras obras de los años veinte investiga en las metamorfosis (La mujer cucaracha). Pero a diferencia de la pintura, el paso del Expresionismo al Surrealismo se efectúa poco a poco y casi de manera imperceptible. Así, las obras de Giacometti entre 1925 y 1935, buscan la representación de un universo onírico; el Palacio de las cuatro de la mañana recuerda la concepción urbana de los recintos vacíos de De Chirico. Entre los españoles el Surrealismo sugestiona al propio Joan Miró, quien alterna de vez en cuando algunas creaciones escultóricas con su pintura.
La
tragedia de la Segunda Guerra Mundial provoca de nuevo una vuelta al
Expresionismo. Los escultores insisten en las deformaciones y en los
gestos de angustia o en las formas geométricas gesticulantes, como
Zadkine
en su terrorífico El
grito.
 |
| Ossip Zadkine El Grito |
Henry
Moore
en su biografía artística puede encontrase una serie de influencias
superpuestas: románico ingles, Juan Pisano, Miguel Ángel, Picasso,
el Surrealismo. Todo lo asimila hasta que su arte alcanza su madurez
y muestra que sin esa herencia habría conquistado igualmente los
perfiles de su estilo personal. Su humanismo se concreta en una serie
de temas, de los que no puede evadirse: grupo familiar, maternidad,
guerrero herido, personas echadas. La figura es tratada como si fuera
arquitectura, adquiriendo un aire monumental. Su profundización de
la forma–expresión se mueve entre la abstracción, la figuración
y la semifiguración. Es un artista original cuyas invenciones
morfológicas han revelado las posibilidades que la revolución
plástica ha abierto a los artistas. Quizás la obra más conocida y
más representativa de Moore sea su Grupo
familiar
del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
LA
PINTURA ABSTRACTA.
El
objeto había sido sometido en la pintura del siglo XX a toda suerte
de experimentos. Ahora, en el arte abstracto, se procede
definitivamente a su eliminación. El propósito de los artistas
abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos para
concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan
relación con la realidad visual. La obra de arte se convierte en una
realidad autónoma, combinaciones de colores que intentan expresar,
con un lenguaje sin formas, la necesidad interior.
Kandisky
y Klee.
Es
Kandisky
quien tiene por primera vez la revelación de la pintura no
figurativa. Tras una estancia en Rusia se traslada a Berlín y allí
se une a la Bauhaus;
en 1924 funda el grupo de Los
Cuatro Azules,
con Klee,
Feininger y Jawlensky.
Paul Klee, en sus clases y en sus escritos explica como los elementos
gráficos –punto, línea, plano y espacio- adquieren significación
por una descarga de energía dentro de la mente del artista.
El
constructivismo o neoplasticismo.
En
Kandisky y Klee el color se ordena libremente a impulsos de la
inspiración, pero en otras corrientes de la abstracción se buscan
relaciones matemáticas entre las formas coloreadas. Es la
preocupación de la revista Die
Stijl
(El estilo) a cuyos maestros se les ha encuadrado bajo la
denominación de constructivismo
o neoplasticismo.
Los maestros de Die Stijl (Mondrian,
Brancusi,...)
y algunos independientes construyen los cuadros más abstractos de la
pintura moderna con la utilización de colores primarios dispuestos
en franjas delimitadas por líneas horizontales y verticales y en
fase posterior por diagonales. Es patente el influjo del Cubismo.
Informalismo
o expresionismo abstracto.
Un
nuevo capitulo es inició después de la Segunda Guerra Mundial con
el denominado Informalismo
o Expresionismo abstracto.
El grupo de los llamados pintores matéricos inventó una variante
del collage; con mezclas de arena, yeso y otros materiales
consiguieron dar al lienzo plano la rugosidad tridimensional de la
escultura. Otros, los tachistas
comenzaron a advertir la potestad naciente de la mancha. Con manchas
y pastas nuevas se podía representar la textura de la materia. En
los Estados Unidos comenzó una nueva tendencia en la que Jackson
Pollock
se erige en figura representativa. Interesante resulta su obra
Retrato
y un sueño.
En España comenzó Tapies
a utilizar sus mezclas de cola, yeso y arena con las que refleja una
desesperación por el presente industrial y una nostalgia de lo
natural. El arte abstracto transforma el lienzo en grito, en algo
inarticulado e incompresible.
OTRAS CORRIENTES ARTÍSTICAS
En
México
triunfaba una importante escuela de muralistas cuya obra resulta
ajena a la abstracción y a otros movimientos coetáneos,
desarrollándose dentro de un realismo tremendamente expresivo, de
hondo alcance social y político. Orozco,
Rivera y Siqueiros
son los protagonistas de esta singladura.
En
el resto de occidente la abstracción pura niega la forma y se
convierte en color sin ningún pretexto. El espectador termina sin
prestar audiencia al artista y este acaba por sentirse incomunicado,
por los que se busca un nuevo lenguaje que forzosamente tendrá un
carácter figurativo.
Neofiguración.
Los
representantes son Dubuffet,
que se aproxima voluntariamente al vocabulario infantil para
comunicarnos un mundo desarticulado, y Francis
Bacon,
que en espacios surrealistas coloca sus atormentadas figuras que se
distorsionan y funden en desgarrador patetismo.
Pop-art.
El
Pop-art, a pesar de su nombre, no va dirigido al pueblo sino que toma
de él la temática. Los objetos industriales, los carteles, los
embalajes son el mundo del Pop-art. Es un arte eminentemente
ciudadano y ajeno a la Naturaleza. Uno de los mejores representantes
es Andy
Warhol,
quien parte de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico,
como Marilyn
Monroe
o la Lata
de Sopa Campbell.
Hiperrealismo.
En
América se ha trabajado con la reproducción pintada de los objetos
de consumo y de sus imágenes publicitarias, y en este camino se
encuentra la reproducción manual de fotografías, lo que constituye
la esencia del Hiperrealismo americano. En Europa, el Hiperrealismo
no suele tener connotaciones pop y está impregnado de un, lirismo
casi surrealista. La obra del español Antonio
López
es la más genial exponente de esta versión del Hiperrealismo.
Arte
conceptual.
Este
es un arte en el que lo conceptual priva sobre lo formal. Ensaya
nuevos lenguajes plásticos, creándose ambientes cromáticos,
luminosos o, sencillamente, modificaciones sobre la naturaleza. Su
principal característica es la de ser radicalmente antiburgués y
anticonsumo. Son muy significativas las obras de Christo
Jaracheff,
quien envuelve o empaqueta grandes monumentos o edificios enteros por
un corto periodo de tiempo.
- Es interesante destacar el movimiento Posmoderno, por lo que tiene de ruptura violenta con los postulados que proponían la desaparición de un modo de entender el arte, por los que tiene de imaginativo y por ser capaz de crear todo un mundo icónico.
ABSTRACCIÓN
Y MOVIMIENTO EN LA ESCULTURA.
Dentro
de la escultura abstracta, la escuela denominada Constructivismo
busca la forma al margen de la masa, prefiriendo un desarrollo de las
superficies en el espacio; tal es el estilo de los hermanos Pevsner
quienes, a diferencia de Brancusi, cultivan las formas ahuecadas
antes que los volúmenes cerrados.
Naum
Gabo Pevsner
pensó en aplicar a las formas escultóricas teoremas matemáticos de
la ingeniería, y publica su manifiesto, en el que exalta la
sustitución del volumen cerrado, la potencia de la línea y la
valoración del espacio, tiempo y luz como coordenadas que debe
asimilar el arte escultórico. Realiza la primera escultura
cinética
del mundo. Antonio
Pevsner
se distingue por los desarrollos helicoidales de superficies curvas
formadas por varillas de bronce, como la Columna
de la paz.
La
abstracción es asimismo la fase final del arte de algunos españoles.
Alberto
Sánchez
muestra un claro horror al vacío, que tan bien había aprovechado
Gargallo. Chillida
abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir enormes bloques
de hierro, en los que parece haber señalado el punto de encuentro de
arquitectura y escultura.
La
escultura tradicional había representado el movimiento fijo. En el
siglo XX los escultores futuristas superponen láminas o deshacen las
superficies rugosas para presentar posiciones sucesivas de una
figura. Boccioni
opone el volumen cerrado al volumen abierto. El paso definitivo lo da
la escultura
cinética,
inspiradora de obras que se sostienen de manera inestable sobre un
precario punto de apoyo, que giran con el viento o se mueve de forma
continua por una sistema descompensado de pesos.
Calder
crea obras accionadas por motor, a las que denomina “móviles”.
Nicolás
Schöfer
realiza una síntesis de la pintura, la escultura y el cine, en
combinaciones en que las formas coloreadas se suceden sin
interrupción.
Las
innovaciones
plásticas
del siglo XX podríamos sintetizarlas en varios principios:
- El hueco (Gargallo).
- Deformación (Moore).
- Incorporación del espacio (Pevsner).
- Abstracción (Chillida).
- Movimiento (Calder).
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